Literatura de preparatoria

El género dramático

Origen y desarrollo del género dramático

Las primeras manifestaciones dramáticas conocidas en el mundo occidental se realizaron en la antigua Grecia en el siglo V a.C. Debido a su cultura politeísta, Grecia se concebía al mundo con dioses que protegían las diversas actividades humanas; por lo tanto, las prácticas religiosas estaban presentes en cualquier quehacer, tenían una estrecha relación con la naturaleza, principalmente con todos los fenómenos relacionados con la Tierra.

Lo anterior se manifestaba de la siguiente forma: luego de que la ardua labor del campo culminaba con la cosecha exitosa, la población se entregaba tanto al descanso como a los diversos festejos. Todas las personas que participaban en sembrar, abonar y cultivar, organizaban comilonas donde bebían y cantaban, para después agradecer a los dioses las cosechas abundantes.

Los banquetes iniciaban con ruidosos himnos cantados en honor a Dionisio (dios de la fertilidad de la tierra, la uva y el vino), a quien se le atribuía la bendición de tener un año próspero y cosecha de abundantes frutos. Para celebrar se planificaban grandes fiestas anuales en las cuales muchos se disfrazaban y actuaban como cierto personaje. Así surgieron las primeras manifestaciones artísticas relacionadas con este género literario: los ditirambos (alabanzas) o cantos de Dionisio, que con el tiempo dejaron de ser una canción improvisada para convertirse en un verdadero himno coral (coro) con música y actuación mímica. Estaban también los directores de coro, quienes eran los organizadores de procesiones que reunían alrededor de
20 mil personas, mientras que las procesiones en las zonas rurales (procesiones de campo), contaban con un público menor.

El primer director de coro fue Tespis o Thespis (en griego antiguo Θέσπις), quien fue invitado por el tirano Pisístrato para dirigir la procesión desde Atenas. Tespis desarrolló el uso de máscaras para representar porque, como consecuencia del gran número de participantes, era imposible escuchar a todos y de esta manera podrían visualizar el sentimiento a través de las máscaras y empatizar con la escena.

El coro fue compuesto por los narradores de la historia, que a través de la actuación, canto y baile informaban sobre los personajes. Fue el intermediario entre el actor y el público, y trajo los pensamientos y sentimientos en primer plano, así como la conclusión o mensaje/moraleja de la obra.

También podía haber Corifeo, un representante del coro que se comunicaba con el
público durante el evento.

En una de estas procesiones, Tespis decidió innovar subiéndose a una “plataforma” llamada Thymele (altar) para responder al coro. Inmediatamente Tespis interpretó a Dionisio, pretendiendo que el espíritu había entrado en su cuerpo, y así se convirtió en la primera encarnación del coro. Como resultado surgieron varios diálogos. A Tespis se le considera como el iniciador de la tragedia como forma teatral, pues introdujo a un personaje o actor.

Los griegos ingeniaron la manera de colocar actores en niveles diferentes usando máquinas con las cuales los subían y bajaban, y así, los artistas lograban representar a los dioses de la tierra y del infierno. Cada una de las representaciones griegas se caracterizaron por la ausencia de las escenas violentas, pues consideraban de mal gusto exponer sangre, asesinatos y sacrificios. Entre los dramaturgos clásicos que cultivaron la tragedia destacan Sófocles, Esquilo y Eurípides.

El espacio en el que se realizaban estos rituales se llamaba Theatron (lugar para contemplar) y durante varios días el público permanecía observando el espectáculo.

Esquilo, nació en Grecia en el año 525 a.C. Es considerado el fundador de la tragedia griega, ya que, a partir de la lírica coral, introdujo un segundo actor en escena, llamado deuteragonista, que permitía la interlocución entre los personajes. Además, realizó innovaciones en la escenografía y la técnica teatral. Se dice que escribió aproximadamente 90 obras, aunque completas se conservan sólo siete. En muchas de sus obras se enfrentan fuerzas antagónicas que en ocasiones eran seres humanos y en otras tantas principios morales, religiosos o sociales.

Sófocles, poeta trágico de origen griego que nació alrededor del año 495 a.C. Hijo de un rico armero de nombre Sófilo, venció a Esquilo en un concurso teatral que se celebraba anualmente en Atenas durante las fiestas dionisiacas. Fue un autor muy prolífico, pues se cuentan aproximadamente 123 tragedias en sus obras. Edipo Rey es una de sus más celebres tragedias. Se apoyó en máscaras y un vestuario diferente para que los actores se vieran más altos y flotantes. Durante la época de Sófocles se utilizaron como escenografía paneles pintados para detallar el lugar en el que se desarrollaba la obra

Eurípides, poeta trágico que nació en Salamina Grecia en el año 480 a.C. Proveniente de una familia humilde. La primera obra con la que se presentó fue Las pelíades. Sus obras reflejan la enseñanza de los sofistas, de los cuales fue discípulo; también resaltó la parte humana de los protagonistas.

Otro de los más famosos teatros griegos es el de Epidauro. Se trata de uno de los mayores teatros de Grecia, el cual tenía una capacidad de aproximadamente mil 500 espectadores, y en el cual se manifiesta el aprovechamiento de los espacios naturales. Su construcción se atribuye a Policleto el Joven a finales del siglo IV a.C.

Después de Grecia, la obra dramática surge en Roma, donde los principales representantes fueron: Terencio, Séneca y Plauto. Posteriormente, durante el primer periodo de la Edad Media, el género dramático se extinguió, y fue olvidado por completo de las obras griegas. Alrededor de los siglos XI y XII, los europeos reinventan el teatro, surgieron comedias escritas en latín, que fueron representadas en monasterios, cortes y universidades, pues no se consideraba un teatro para el pueblo. Éste surgió en las iglesias y consistió en la dramatización de ciertas escenas del Evangelio. Dichas representaciones escritas en lengua vulgar se hacían principalmente en las tres fiestas más importantes de la liturgia: Navidad, Epifanía (visita de los Reyes Magos) y Resurrección. La primera obra teatral escrita completamente en castellano fue el Auto de los Reyes Magos. Se conserva incompleta (142 versos), ya que falta la parte final, que debía mostrar la adoración de los reyes al niño Jesús. Esta representación fue escrita a fines del siglo XII o principios del XIII y como todas las de su tiempo es anónima.

En el Siglo de Oro español se representaban temas de la vida cotidiana, así como asuntos extraídos de la historia o de la mitología y se mezclaba lo trágico con lo cómico. Destacan algunos autores como Lope de Vega y su Fuenteovejuna; Tirso de Molina y El burlador de Sevilla; Pedro Calderón de la Barca y La vida es sueño.

En el siglo XVIII se creó un teatro en prosa de carácter didáctico, se retomaron aspectos, estructura y temáticas del teatro clásico griego. Una obra destacada de esta etapa es El sí de las niñas, del español Leandro Fernández de Moratín. Se trata de una comedia en prosa dividida en tres actos donde se criticaba que los padres arreglaran los matrimonios de sus hijos; tuvo gran aceptación entre el público.

En el siglo XIX se emplea de nuevo el verso y se representan las grandes pasiones y conflictos de los personajes: un ejemplo de esto es el drama romántico titulado Don Juan Tenorio de José Zorrilla. La característica principal del siglo XX es la gran variedad de estilos, tendencias, ideologías y corrientes teatrales. En ese momento aparecieron grandes figuras renovadoras tanto en la temática y dramaturgia, como en los aspectos técnicos y escénicos. Surgieron diferentes tipos de teatro: surrealista, de experimentación, de compromiso social, del absurdo, etc. Los países donde se presentaron con mayor auge fueron Inglaterra y España.

El teatro en las culturas americanas

El teatro se hace presente también en las culturas prehispánicas, con motivos religiosos y bélicos. El Rabinal Achí, que significa “Danza del Tambor” es una obra literaria de la cultura maya del siglo XV, la cual evidencia el conflicto entre los rinaleb y los kiche, dos grupos sociales diferentes.

Los personajes principales de esta obra son dos príncipes: Rabinal Achí y Kiche Achí. Narra la historia del príncipe Kiche Achí, que es condenado a muerte por obligar al pago de tributos y destrucción en algunas poblaciones de los Rabinaleb. Antes de morir, se le concede bailar al ritmo del tambor con la princesa de Rabinal y disfrutar bebidas reales. Consta de cuatro actos y es representada cada año el 25 de enero en Rabinal, poblado cercano a la capital guatemalteca, pues se tiene la creencia de que los espíritus de los guerreros muertos se hacen presentes en la danza.

Fuente: Padial, A. (1991). Quiché Vinak: tragedia. Nueva versión española y estudio histórico literario del llamado Rabinal Achí. México: Fondo de Cultura Económica.

Elementos del texto dramático

El texto dramático es el documento escrito en el que se encuentran la historia e indicaciones que se deben realizar para llevar a cabo la representación.

Entre sus elementos más representativos podemos mencionar:

La modalidad discursiva puede ser de los siguientes tipos:

  • Diálogo: conversación entre dos o más personas, es la forma de expresión básica del teatro, ya sea en prosa o verso. El diálogo es la manera en la cual se transmite el mensaje teatral, es decir, con él se construye el mundo externo e interno de la ficción y de los personajes.
  • Monólogos: forma discursiva en la cual el personaje está solo en el escenario, donde plantea dudas acerca de las decisiones o compromisos que tomará su debate interno. Es la expresión de pensamientos y sentimientos sin esperar respuesta. Recuerda acontecimientos y descubre el mundo interior del personaje.
  • Soliloquios: forma discursiva en la que el personaje habla en voz alta, está solo y hace referencia al acontecer con presencia de un auditorio.
  • Aparte: en algún momento un personaje, se aparta del resto o desvía su mirada, para hacer un comentario en voz alta destinado al público/lector, que no es oído por el resto de los personajes. Este recurso se denomina aparte. Mediante los apartes, los personajes realizan reflexiones en voz alta, hacen comentarios malintencionados o declaran un pensamiento que puede ser de utilidad para el desarrollo de la acción. La finalidad de los apartes es informar al público.

Las acotaciones son indicaciones del autor de la obra acerca del montaje, la actuación, el vestuario, los gestos y el comportamiento de los personajes, aparecen siempre entre paréntesis.

Dentro de este conjunto se organiza la estructura del mundo dramático, es decir, marca con medios estrictamente literarios las posibilidades de la representación física. En las acotaciones se especifican las condiciones de enunciación que afectan al diálogo, por ejemplo, cuando se pide algo, se puede decir enojado, asustado, emocionado, triste, etc.

La historia o trama es lo que relata la obra. Cada texto se hace en función de la dramaticidad y la teatralidad de su época. La historia se presenta en forma segmentada, distribuida en actos y escenas que los personajes exponen durante el diálogo.

El teatro reúne una multitud de elementos heterogéneos no verbales como: escenografía, iluminación, música y vestuario, los cuales se convierten en el lenguaje teatral. En éste, la palabra es sólo uno de los elementos de idioma teatral que empapa al protagonista y al espectador en un mundo ficticio.

Finalmente, no se debe hablar de lenguaje en teatro sin antes mencionar su carácter apelativo que pretende llamar la atención del público, y se manifiesta en el diálogo de los personajes y la búsqueda de respuesta de otros. Esto se logra mediante la relación de seres que entran en conflicto y tratan de provocar una reacción.

El espacio es el lugar donde ocurren los hechos. Cuando se habla de espacio teatral nos referimos tanto al lugar ficcional como al lugar físico en que se lleva a cabo la obra. En las obras dramáticas, la información sobre los espacios en donde se desarrolla la acción, se indica mediante las acotaciones.

El tiempo se clasifica en tres tipos:

  • Época: etapa histórica en la que se sitúan los hechos.
  • Tiempo de la historia u objetivo: es la duración de los hechos. El tiempo que transcurre en el mundo dramático se puede considerar desde dos puntos de vista: por un lado, el tiempo total en que se supone transcurrió el conflicto, y por el otro, se puede tomar en cuenta únicamente el tiempo ficticio que transcurre desde que comienzan hasta que terminan los hechos contados en la obra.
  • Tiempo subjetivo: es el tiempo que transcurre en la mente de los personajes a través de recuerdos, sueños o anticipaciones.

Personaje proviene de la palabra persona, término de origen griego, πρόσωπον, que significa “máscara de actor”, o “personaje teatral”. Son cada una de las personas o seres, ya sean humanos, animales o de cualquier otra naturaleza, reales o imaginarios, que aparecen en una obra artística.

En varios espectáculos teatrales, puestas en escena y películas (con excepción de las animaciones), los personajes son protagonizados por actores, bailarines y cantantes. Para las animaciones y títeres existen actores vocales que le dan vida al personaje.

Tipos de personajes según su grado de importancia

Dentro de la obra existen diferentes tipos de personajes:

  • Protagonista: personaje más importante que representa al grupo.
  • Antagonista: personaje que se opone a los fines del protagonista.
  • Personajes secundarios: son aquellos que no representan una de las dos fuerzas en conflicto, sino que se suman a una de las dos, dando su apoyo al protagonista o al antagonista.
  • Personajes colectivos: tipo de personajes que, a pesar de ser una sola persona, representan a muchas otras; es como si fuera la encarnación de un grupo. Por ejemplo, un representante del pueblo o de los súbditos de un rey.
  • Personajes alegóricos: constituyen la encarnación de cosas abstractas que no son personas. Evidentemente, son personajes simbólicos a los que se les dan las características de aquellas cosas a las que representan.

Esto ocurre en aquellas obras donde participan como personajes “La Primavera”, por ejemplo, o “La Muerte”, representada como una mujer vestida de negro.

Tipos de personajes según su modificación durante el desarrollo de la acción

  • Estáticos: son invariables en sus rasgos, no evolucionan. Se comportan de una misma manera desde el comienzo hasta el término de la obra.
  • Dinámicos o evolutivos: varían, experimentan cambios de manera conjunta con el desarrollo de la acción. Modifican su modo de ser.

Tipos de personajes según la complejidad de los rasgos que los constituyen

  • Planos o lineales: presentan sólo un rasgo dominante y absorbente. Ejemplos : la bruja-mala, la princesa-buena.
  • Relieve o redondos: presentan más de un rasgo caracterizador y su personalidad es polifacética, ya que son capaces de sorprender con un cambio o variación significativa.

Estructura del texto dramático

El texto dramático, además, contiene una estructura externa y otra interna. Revisemos de qué se trata cada una de ellas.

Estructura externa

Con base en la representación escénica, una historia se divide en:

A continuación estudiaremos cada uno de estos elementos.

Acto

Es cada una de las partes en que se encuentra dividida una obra dramática. En cuanto a su amplitud, es la parte de mayor extensión respecto al cuadro y la escena. Los actos están determinados por las acciones principales de los personajes y señalan cambios bruscos de tiempo y lugar. Se indican con la caída del telón, y en el caso del teatro griego antiguo, con la intervención del coro. En general, una obra puede estar dividida en el número de actos que requiera la historia, sin embargo, la mayoría de las obras están compuestas de tres, cinco o uno solo. Por ejemplo, una obra de tres actos se conforma como en el siguiente esquema:

Por otra parte, en el teatro moderno se ha optado por dividir las obras en dos actos: de la situación inicial a la ruptura del equilibrio o a un primer clímax y de ahí al desenlace. El acto puede ser marcado por la salida de todos los personajes a escena o por un cambio importante en la historia, y esto quiere decir que los límites del acto dependen gradualmente de la estructura interna con la cual se maneja la historia.

Cuadro

El cuadro, por su parte, indica cambios de lugar mediante la variación de las luces que iluminan diversas partes del escenario (decorado). Por ser divisiones menores, pueden comprenderse dentro de los actos. Muestra una particularidad del problema y lo desenvuelve en un mismo lugar o con el desplazamiento de un personaje. El cuadro no se limita por las acciones sino por los espacios representados.

Escena

Unidades mínimas de construcción dramática que están marcadas por la entrada o salida de algún personaje. También se considera como escena a la parte del escenario en donde se representan las acciones, de ahí que éstas puedan ser abiertas o cerradas dependiendo del tipo de espacio en el cual se lleve a cabo.

Escenas cerradas

Se desarrollan en un escenario cerrado, es como una caja que tiene una cara abierta (se le llama la cuarta pared). Es la más común y el público percibe la obra sólo al frente.

Escenas abiertas

Es aquella que se genera casi al aire libre, mientras el público la está rodeando en 180 grados. El ambiente y la profundidad le permiten al público sentirse parte de la obra misma.

La vida es sueño es una obra de Pedro Calderón de la Barca cuya estructura consta de tres actos, que están divididos en escenas de la siguiente manera: el acto I, consta de 8 escenas, el acto II tiene 19 escenas y el acto III y último suma 14 escenas. A continuación la descripción del:

Primera Acto
Escena I

Aparece Rosaura, que acaba de llegar a Polonia. Se lamenta de su vida. Aparece Clarín el gracioso. Él intenta hacerle olvidar sus penas. Clarín también ha llegado a Polonia recientemente en busca de nuevos aires o aventuras. Comienzan a caminar hacia el castillo.

Escena II
En una de las celdas del castillo, Rosaura y Clarín escuchan voces de alguien quejándose: es Segismundo, príncipe de Polonia, que está atado y vestido con pieles. Segismundo afirma que su delito es haber nacido.

Escena III
A la celda ha llegado Clotaldo, el guardián de Segismundo. Clotaldo descubre a Rosaura y Clarín.

Escena IV
Clotaldo ordena a sus guardias que desarmen y aten a Rosaura y Clarín. Al desarmar a Rosaura, Clotaldo se da cuenta por la espada de que Rosaura es su hija, pero no dice nada.

Escena V
Salen Astolfo, príncipe, y Estrella, infanta, hablando en un baile. Astolfo explica que son sobrinos del rey y herederos al trono, si se casan. Estrella duda de sus palabras, porque Astolfo lleva un colgante con un retrato y ella quiere ver el retrato.

Escena VI
Sale el rey Basilio y habla con sus sobrinos, Estrella y Astolfo. Cuenta que su hijo Segismundo ha sido desterrado a una torre porque existe una predicción de que será un funesto rey. Aún así, ha decidido traerlo a la corte y ver cómo se comporta.

Escena VII
Clotaldo le cuenta al rey que alguien ha conseguido entrar en la torre y ver al príncipe
Segismundo, pero el rey perdona a Rosaura y Clarín.

Escena VIII
Clotaldo libera a Clarín y a Rosaura.

Fuente: http://espanol.free-ebooks.net/ebook/Resumen-de-la-vida-es-sueno-por-actos/html#ixz- z3OlpCGYvi consultada el 25 de octubre de 2014.

Estructura interna

El esquema estructural de la obra dramática no es muy diferente del que conforma a la narrativa, pero cuenta con una terminología particular.

Al inicio de cualquier obra, lo primero será la presentación de los personajes, así como la relación que guardan entre ellos, ya que esto nos permite tener una perspectiva del orden de la obra. Una vez que se dan a conocer los personajes sucede algo que rompe el equilibrio, es decir, un conflicto. De acuerdo con algunos autores, lo que sigue en la obra, es desarrollar una historia para recobrar este equilibrio o resolver el conflicto, y llegar a un desenlace.

Situación inicial

Por lo general son escenas cortas que aluden a los antecedentes de la obra. En estas escenas se dan a conocer los personajes y la situación donde se genera la obra.

Ruptura de equilibrio

También es llamada comienzo de la acción y se refiere al momento en que algo rompe con el equilibrio de la situación inicial, es una fuerza que aparece en conflicto. Esta lucha, que puede representarse de diversas formas, es la que mantiene la tensión dramática de la obra.

Desarrollo

En este momento de la obra cuando ya se estableció el conflicto, da inicio la lucha entre varias fuerzas para lograr la superioridad, generalmente entre el protagonista y el antagonista de la obra. Aquí se desarrolla una serie de obstáculos que el protagonista debe librar para alcanzar sus objetivos, que pueden ser muy variados, reconquistar a la persona amada, salvar su vida, liberar a su pueblo, luchar con sus miedos etc. La obra puede tener varias escenas donde se generan conflictos de distinto carácter que van creando tensión en el espectador o público.

Aquí mismo, también se llega al clímax, que es el momento en que se presenta la máxima intensidad de la acción dramática, incluso puede ser un choque frontal del protagonista con el personaje antagonista. Podemos decir, que es el momento más emocionante de la obra.

Desenlace

Una vez que pasa el punto crítico o clímax, se desarrolla un nuevo orden de equilibrio. Es el momento en que culminan todas las acciones de los personajes y sobreviene el regreso al orden inicial. En este momento, el protagonista logra su objetivo y se presenta una solución, en ocasiones alegre y en otras de desgracia, dependiendo del género dramático de la obra.

Grandes obras del teatro en la historia

Romeo y
Julieta
William
Shakespeare
La dramática historia del amor prohibido entre jóvenes de familias rivales, Romeo Montesco y Julieta Capuleto.
Frente a las miles de adversidades que su amor les presenta, los jóvenes enfrentan las presiones de la rivalidad para finalmente ser derrotados por la desdicha.
HamletWilliam
Shakespeare
Hamlet retrata la locura que deviene de la venganza, con una pizca de dolor, ira, traición, incesto y corrupción moral. Es una de las obras que más críticas ha generado desde que fue creada (1599-1601). Tiene un final trágico y lúgubre.
Sueño de una noche de veranoWilliam
Shakespeare
Comedia romántica y clásica de la literatura teatral mundial, que narra la historia de dos parejas de amantes sumidos en un mundo de fantasía, magia, sueños y comicidad.
La
Celestina
Fernando de
Rojas
Una de las obras más reconocidas del teatro español, donde se retrata un violento amor entre Calisto y Melibea, que es trastornado por las siniestras tramas de Celestina y los sirvientes de Calisto, Sempronio y Pármeno. Creada en 1499, este clásico sentó las bases de la novela y el teatro que hoy conocemos.
Don Juan
Tenorio
José de
Zorrilla
Un drama romántico de 1844 donde el protagonista logra el perdón divino y se salva del infierno gracias al amor que profesa por Doña Inés, lo que en versiones anteriores no ocurría.
La vida es
sueño
Pedro Calderón de la BarcaLa obra gira en torno a la libertad y las decisiones que cada uno toma. Se incorporan conceptos religiosos de diferentes credos y la influencia de la legendaria “Alegoría de la Caverna” de Platón —que ya revisaste en la asignatura de Introducción a las Ciencias Sociales— es amplia y explícita. El protagonista, Segismundo, vive en completa oscuridad en la cárcel de su mente y desconocimiento personal y alcanza la iluminación sólo al descubrirse y atesorarse a sí mismo.
La casa de Bernarda AlbaFederico
García Lorca
Esta tragedia retrata la vida de luto de la viuda sexagenaria Bernarda Alba y los lazos con sus cinco hijas.

Fuente: http://noticias.universia.net.mx/tiempo-libre/noticia/2014/03/25/1090748/8-mejo- res-obras-teatro-historia.html consultado el 30 de octubre de 2014.

Breve biografía de William Shakespeare

William Shakespeare es considerado el escritor más célebre en lengua inglesa. Nació en Stratfort-upon- Avon, un pequeño pueblo inglés, el 23 de abril de 1564, donde murió el mismo día de 1616. Alrededor de los 20 años se trasladó a Londres, donde comenzó su carrera como actor y dramaturgo. Incluso llegó a ser empresario del teatro como copropietario de la compañía conocida como Lord Chamberlain’s Men, que se convertiría en la más prestigiosa de la época, al punto de conseguir el patrocinio del rey y entonces llamarse The King’s Men. Escribió numerosas obras de teatro y poemas. La mayoría de las primeras (36 en total) fueron publicadas varios años después de su muerte.

Modalidades de presentación

Texto dramático y representación teatral

“El texto impreso de una obra teatral apenas es
más que el plano de un arquitecto para una casa
que no ha sido construida todavía”.
T. Williams

Después de lo que hemos aprendido en este bloque podemos recapitular las dos formas en que se puede presentar el género dramático: mediante la lectura del texto dramático y a través de la representación teatral. La obra dramática es el texto literario mismo, mientras que la obra teatral es la representación de ese texto en el escenario; en esta última, entran en juego elementos propios del mundo real, tales como iluminación, música, vestuario, escenografía y los mismos actores. La obra dramática cumple su esencia cuando se convierte en obra teatral.

Entre estas formas de presentación, es que la obra dramática es una creación a nivel mental, ya que reside en la imaginación de quien lee a medida que va avanzando en la lectura del texto. Por otra parte, la obra teatral, es una interpretación de lo que el autor o dramaturgo le da a la obra dramática.

Elementos que articulan la comunicación dramática

El proceso comunicativo que se genera en una obra teatral es directo y se manifiesta entre los emisores y receptores. El desarrollo en la comunicación es complejo, ya que en la puesta en escena intervienen un grupo de emisores: autor, director de escena junto con los actores, músicos, cantantes y muchos receptores (el público).

Veamos los elementos:

  • Emisor: es el que produce el acto de comunicación, el autor o dramaturgo.
  • Código: conjunto de signos relacionados entre sí, como: expresión, vestuario, escenario, iluminación, entre otros que maneja el emisor y que son visuales y auditivos para el receptor.
  • El mensaje de la obra teatral: resultado de la codificación, del portador de la información o conjunto de informaciones que se transmiten.
  • Canal: medio físico por el que se transmite el mensaje, es decir, el texto literario (escrito) se convierte en un texto hablado.
  • Receptor: lector y espectador que decodifica y recibe el mensaje de la obra teatral.
  • Referente o contexto: conjunto de factores y circunstancias en las que se produce el mensaje y que deben ser conocidas tanto por el emisor como por el receptor, a fin de permitir y facilitar la comprensión y escenificación del mismo.
    • Contexto de producción: todo lo que se debe tomar en cuenta para llevar a escena una obra, incluyendo aspectos administrativos, lugar, selección, tiempos, el público al que va dirigido, etc.
    • Contexto de recepción: las experiencias de vida, edad, cultura, conocimientos del lector o público le permite dar una interpretación particular al texto.
    • Contexto social: se refiere al entorno social, político y personal tanto
      de la historia como de la puesta en escena.

El texto dramático tiene características que lo hacen especial y diferente a los demás géneros literarios. Debemos considerar que se trata de un proceso comunicativo en tres momentos:

Es importante señalar que el director es el segundo creador de la obra, pues realiza la puesta en escena. Sin embargo, su interpretación no siempre coincide exactamente con la del autor. Por eso se dice, de muchas puestas en escena, que son una adaptación.

  • Receptor o enunciatario: lector, espectador, destinatario. Sin público o receptor no hay teatro posible. Esto puede ser válido para cualquier producción literaria, pero en el caso del teatro, adquiere características especiales porque exige presencia física del destinatario. El público se convierte en un elemento que participa de las responsabilidades de la puesta en escena por parte del director teatral.
  • Corriente literaria: conjunto de características tanto en la forma de escribir como en la temática, de acuerdo a las condiciones sociales de una determinada época. Algunas corrientes literarias han permanecido durante una o varias épocas.

Subgéneros dramáticos

El género dramático se divide en tres subgéneros mayores:

  • Tragedia: Forma dramática en la que el héroe padece las consecuencias de una lucha, ya sea real o simbólica, en la que es vencido frente a su incapacidad para superar las fuerzas que lo avasallan: su destino. El estilo de la tragedia siempre es elevado y su desenlace funesto, fatal. Se caracteriza por el horror, la desgracia y la muerte. El protagonista suele ser el héroe, que representa un ideal de comportamiento humano. La tragedia sigue diciendo algo al hombre actual, que enfrenta la misma problemática que el de hace siglos.
  • Comedia: Del latín comoedia, del griego komodia, komodos-comediante. Esta forma teatral tiene la finalidad de divertir al espectador poniendo en escena los caprichos, extravagancias y debilidades humanas. Busca provocar la risa del espectador, emplea con frecuencia recursos humorísticos, así como el ingenio verbal. Se caracteriza porque regularmente tiene un desenlace festivo o placentero. Se le reconoce como el género cómico. La comedia actual sigue siendo un género que presenta una problemática sencilla de fácil solución, es decir, sin complicaciones.
  • Drama: Obra literaria mayor que pone en escena un conflicto serio, donde están en juego valores importantes como el amor, la honradez o la dignidad. A diferencia de la tragedia, sus protagonistas pueden ser de cualquier condición social y el conflicto se sitúa en la vida cotidiana. Representa situaciones en torno al hombre y los diversos problemas que enfrenta: soledad, odio, venganza, celos, muerte. En el desenlace, el protagonista obtiene un triunfo moral, aunque a costa de muchos sufrimientos.

Fuente: Secretaría de Educación Pública. (2015). Literatura II. Ciudad de México.